A series of illustrations based on the novella fairy tale "The BFG" written by British writer Roald Dahl. The story tells of a little girl named Sophie who accidentally saw the BFG and was taken to Giant Country by the BFG, where she saw many terrible man-eating giants and had many amazing adventures with them. 

The visual story told in Dawn and Dusk is one of a group of people watching the death of a whale. The use of color is sparse, with the exception of the ropes that bind the whale, which are painted in yellow. My intention was to create a somber atmosphere by way of this visual experience, depicting on the canvas an allegory about the way we examine and understand life.
In this sense, I am inspired by my work in graphic design – the juxtaposition of colored elements and black-and-white images is a concept that originates in the field of design – which I hope to use to accentuate an overbearing sense of stifling tension. Every brushstroke is evidence of my existence, my understanding of and love for art, my plaintive sobs in moments of solitude. The figures appear empty on the canvas, robbed of their physical heft, symbols of the emotionally abstract notion of “human.” All color accumulates on the body of the whale, drawing the eye toward it as center of the composition, and posing the question: What is the lightness of life? What is its weight?
My only hope is that this painting is able to stir something in the viewer, even if only gently. 

Burning. Burning and disappearing. Like the childhood science class where I learned the difference between vaporization and sublimation, my heart runs fastest ever in my life. Seriously, isn’t this a sublimation, indeed? The solid disappears to the gas. No, wait, it’s not the sublimation. Because it’s not being the gas. Because I will remain ash. The solid remains the solid but the volumes only draw the descending graph. Okay, I’m done, so did something remain? 

Are emerging artists thinking about the question: "How are we going to deal with the day when we may not be able to do what we love?" With this feeling about our time in the studio, how can we accomplish our research?I hope every artist can do what they love all their life, but not everyone can get what they want.I never hope to make our future better, but at least to make our present life less bad.The style of my works is deeply influenced by the North American Studio Glass Movement. As one of the cities with intensive glass blowing in the world, Seattle has many excellent glass artists.I joined the 3D4M department in late 2015, was taken by my professor to meet Dale Chihuly in '16, and worked at the Museum of Glass Tacoma before leaving Seattle in' 18.Every artist in residence at the museum that I knew, the guest at the museum had very high handicraft skills, and that became my main goal at the time. 

Food connects us in a disparate way during the pandemic. When we couldn't gather and eat together, my family, friends and relatives started doorstep delivery; we sent homemade food to each other. I created stop motion video Sharing Food based on my experience driving to my friend's family to deliver Cai Mo. This vegetable-stuffed pancake is a traditional food from theprovince of He Nan, China, where my family originated.The elements in the video indicate the distanced connection between friends, food making process, pop-up delivery windows, virtual food sharing, and the recipe of Cai Mo. All black-coloured images shown in the video are relief prints that I hand-printed from carved lino blocks. The coloured layers are silkscreen prints, and the rectangular images at the end are both relief and silkscreen prints. These phone-shaped recipe prints are in an edition of 60; Idistributed the recipe to the audience as a way to share my favourite traditional dish, Cai Mo.

Loyal to expression, good at presentation.
For me, photography is neither a record nor a method of explaining things or phenomena. Photography is an experimental form of creating a new world through the lens, while consciously dealing with the fuzziness of visual sensation, as well as fluctuations in color, composition and perspective. What exists in everyday life, or anywhere you can find it, is so humble and casual. As a result, they are often considered meaningless. My hope is to use photography to make precious, special images and to extract their beauty through the camera. Random factors also play a big role, and sometimes the unpredictable results take my photos to a dimension beyond what I could have imagined. We can only be free if we know ourselves. 

This work is made up of motorcycle parts and an Arduino microcontroller. This object tells a ghost story in morse code by flashing the turn signal at intervals controlled by the Arduino microcontroller. The story that is flashed out in morse code is somewhat arbitrary as most who view the work will not understand the voice of the object. While those who are interested may go and find the story on their own time what is important here is that it is a ghost story. I think of this object as being artificially haunted, possessed by the disembodied voice of a (perhaps inexperienced) Ghost.

Chinese aesthetics is a study of settling down, seeking its own destination and spiritual extension in the experience of beauty. The side soil belongs to the work of the porcelain series, porcelain is a symbol of China, this series will be the ideal was to microscopic form into the porcelain, the development of Chinese traditional "bonsai" painting schema, to express a kind of independent from the reality of reengineering space brought about by the feeling of sense of reality and illusion, present a mountain, a world of meaning of life. The high-speed railway in the painting is a symbol of Chinese speed and Chinese spirit, conveying the harmony between man and nature, and the beauty of sharing. The fragility of porcelain reminds us to reflect on the natural environment. At the same time, if it will be a porcelain is a symbol of a person's world, the concept of the hills in the picture is a symbol of the known human perception of the world, also only is based on human vision to "own" as the guide, however, time, space, is eternal, unknown space, we have a lot of unknown to explore...

In Other Worlds, is a stop-motion, animated video inspired by experimental film and scientific imagery. The materials used are everyday items found in the home. From the kitchen, I take vegetable matter such as onion skin and fennel fronds. I also make use of liquids such as molasses, oil, and dish soap. I bring these together and set them with home decor objects - battery operated tea lights, for example. There is a little manipulation but the movements and swirling of fluids is mostly left to chance. I frame, observe, and document these ephemeral moments with a macro lens and animation software. The results are abstracted visuals that evoke the biological or cosmological. This is what really interests me: Turning the ordinary into something new and strange.

The work is titled ' The Ark ' and was created in 2021, using 3D digital technology, in a digital virtual material of variable size.The aim of the work is to express, every one of us is in a huge grid, which is interwoven by the profound history and the changing future. Everyone is the coordinate of one in this huge grid. The relationship between people has become more and more close, and they depend on each other at the same time. We are in the ark, but we don't know the direction.